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Edición 2013

Concierto


DE COLONIAS A NACIONES: MÚSICA PARA GUITARRA ENTRE ESPAÑA Y AMÉRICA

Lugar


BAEZA, ANTIGUA ESCRIBANÍA

Fecha


SÁBADO, 7 DE DICIEMBRE DE 2013, 23.59 H.

Director


Intérprete


JUAN CARLOS DE MULDER / MARGUERITA PUPULIN Y EDUARDO EGÜEZ

Componentes


 

Juan Carlos de Mulder, guitarra barroca

Juan Carlos de Mulder, guitarra barroca

 

Margherita Pupulin, violín

Margherita Pupulin, violín

 

Eduardo Egüez, guitarra

Eduardo Egüez, guitarra

 

 

 

Programa


I. De Colonias…

Juan Carlos de Mulder, guitarra barroca

 

Gaspar Sanz (1640-1710)

(Instrucción de Música sobre la guitarra española, 1674)

Folías

Pavanas por la D

Jácaras por la D

 

Santiago de Murcia (1673-1739)

(Codex Saldívar, Guanajuato, México)

Marionas

Villano

Canarios

 

Libro de Zifra (finales del siglo XVIII)

(Museo Nacional de Historia de Lima, Perú)

Piezas en La

Tocata

Sonata

Minuet

Piezas en Re

Sonata

Minuet Las Torres / Otro

Giga

 

II… a Naciones

Margherita Pupulin y Eduardo Egüez, violín y guitarra

 

Antonio Lauro (1917-1986)

Dos valses venezolanos                                            

 

Andrés Chazarreta (1876-1960)

La negrita                                                                 

 

Cuchi Leguizamón (1917-2000)

Zamba del laurel                                                      

 

Hermanos Díaz (siglo XX)

La vieja                                                                     

 

Ariel Ramírez (1921-2010)

Alfonsina y el mar                                                    

 

Pixinguinha (1897-1973)

Naquele tempo                                                         

Só pra mim

 

Abel Fleury (1903-1958)

Estilo pampeano                                                       

Cifra

Milongueo del ayer

 

Ángel Villoldo (1861-1919)

El porteñito                                                               

 

Eduardo Arolas (1892-1924)

Papas calientes

 

Pedro Laurens (1902-1972)

Milonga de mis amores

 

 

 

Notas programa


 

De colonias…

 

Juan Carlos de Mulder

 

 

A mediados del siglo XVII, la práctica de la improvisación de diferencias y variaciones en la guitarra era "una cosa tan ordinaria que hasta los niños en Madrid y otras partes las entienden y practican" (Ribayaz, 1677). La música contrapuntística, solemne y elaborada de la vihuela del siglo XVI fue reemplazada por un estilo más popular y extrovertido de música de danzas y tonos, y el toque punteado de la vihuela se combinaba con el rasgueo, la campanela y los "estrasinos" o ligaduras.

 

Gaspar Sanz nació en Calanda (Zaragoza) en torno a 1640, se sabe que estudió en la Universidad de Salamanca y que estuvo en Italia (Nápoles y Roma) entre 1669 y 1672, completando su formación durante este periodo con Christobal Carisani (maestro organista de la Capilla Real de Nápoles) y con el guitarrista Lelio Colista "Orfeo de estos tiempos", según Sanz. Sanz publicó su libro Instrucción de música sobre la guitarra española en Zaragoza en 1674, obra que conoció el éxito desde su aparición tal y como demuestran la cantidad de reediciones que se hicieron. Este libro es un auténtico tratado de la guitarra del barroco, pues te enseña cómo afinar, ornamentar, acompañar canciones y sonadas sobre un bajo y demás cuestiones técnicas, explorando los recursos idiomáticos del instrumento con cosas muy provechosas para el estudioso; además, en este libro están las obras más conocidas y populares para la guitarra barroca. Se puede decir que si tuviéramos que elegir uno entre los libros de guitarra en el barroco la Instrucción de Sanz sería imprescindible.

 

Santiago de Murcia nació en 1673, estudió con el gran guitarrista Francisco Guerau y desde 1704 fue maestro de guitarra de la reina M.ª Luisa Gabriela de Saboya. Se cree que en algún momento de la década de 1720 viajó a México, donde pudo vivir algún tiempo. Tres de las colecciones que se conservan de su música (Resumen de acompañar, Pasacalles y obras y el Códice Zaldívar) fueron encontradas allá. Uno de los aspectos más interesantes de su música para guitarra es la gran variedad de culturas y estilos musicales que podemos encontrar, ya que incluye obras en estilo español, francés, italiano y del Nuevo Mundo.

 

Poco sabemos del Libro de Zifra de finales del siglo XVIII, propiedad del Museo Nacional de Historia de Lima, más allá de su pertenencia a Jorge Tambini y a don Francisco García, teniente coronel del Real Cuerpo de Ingenieros del Virreinato del Perú. El librillo costa de dos partes, una en tablatura y otra en notación musical del XVIII. La mayoría de las obras fueron escritas para la guitarra llamada de "transición" de seis órdenes y la guitarra barroca de cinco órdenes. La música que contiene es la típica de fines del siglo XVIII, con minuetes y sonatas al estilo de las del napolitano Domenico Scarlattiy en ella se puede ya ver y sentir con fuerza la evolución musical que nos lleva al Clasicismo, dándonos una idea muy clara de la música que se escuchaba en los salones de Lima entre 1790 y 1810, es decir, en los años anteriores a la independencia del Perú.  

 

 

… a naciones

 

Eduardo Egüez

 

Entre los muchos aspectos que definen la música de América latina, curiosamente la presencia de los números "2" y "3" se revela fundamental. Esta afirmación necesita una reflexión y podríamos decir que se basa en la relación que existe entre el álgebra de los números naturales y la física de la sucesión de acentos tónicos del lenguaje, en este caso el castellano y en segundo lugar el portugués. Si excluimos el 1, todo número natural se puede obtener como suma de los números 2 y 3 (4=2+2; 5=3+2; 6=3+3; 7=2+2+3 y así sucesivamente). Copiando esta ley, nuestro lenguaje está basado en una sucesión determinada de sílabas con acentos tónicos organizados también de a 2 y de a 3. Toda palabra, independientemente del número de sílabas que posea, y en consecuencia toda frase, se podrá ordenar rítmicamente (es decir considerando sus acentos tónicos) como una sucesión de números 2 y 3. Si decimos: "En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre no quiero acordarme" notaremos la organización siguiente: En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre no quiero acordarme, es decir 2332332.

 

Remontándonos a los albores de la notación musical, cuando ésta comenzó a devenir sistemática y universal (europea) durante los siglos XIII, XIV, XV, percibimos la presencia de patrones rítmicos constantes por encima de la organización rítmica propia de los textos cantados, incluso a pesar de que el texto fuera considerado más importante que el esquema rítmico que lo contenía. Estamos en el reino de los tempus perfectum y tempus imperfectum cada uno con sus prolatio maior y prolatio minor, o dicho de otro modo tiempos ternarios (perfectum) y tiempos binarios (imperfectum) subdivididos cada uno en 2 o 3 tiempos. Esto daría origen a la teoría y praxis rítmica, que se mantiene hasta nuestros días, de los tiempo ternarios y binarios, simples y compuestos; ternarios simples con numerador 3, binarios simples con numerador 2 o 4, ternarios compuestos con numerador 9, binarios compuestos con numerador 6 o 12. De acuerdo con este importante sistema, los textos cantados se adaptaban a la métrica del tempo utilizado modificando o alterando la métrica de la propia lengua dando lugar a una música rítmicamente constante, cuyo patrón rítmico era llamado en Italia battuta. Según Girolamo Diruta (Il Transilvano), "la battuta es como el timón que gobierna la barca" refiriéndose a la interpretación rítmica de la música.

 

Si bien esta sólida concepción del ritmo predominó casi toda la Europa occidental de finales del Medioevo y Renacimiento, en España, por múltiples razones y motivos que exceden a este escrito, la influencia de la métrica de la lengua, sobre todo en la música profana, ejerció un fuerte predominio en la escritura musical. Son innumerables los ejemplos de polifonía española en los cuales es imposible mantener un tactus (pulso) constante sino que se debe variar, con alternancias de 2 y 3, según la métrica exacta del texto. El uso de dicha alternancia de metros de 2 y de 3, las hemiolas (técnicamente sucesión de ritmos de 3 pequeño y 3 grande), dieron origen a músicas, muchas de ellas danzas, donde la alternancia es casi una constante, y en América parecería haberse consolidado no sólo la alternancia sino también la superposición de los dos ritmos: binario y ternario, sobre todo en la música profana o secular y en particular lo que llamamos folklore.

 

En la América latina podríamos dividir en dos los cancioneros que conforman su patrimonio folklórico: el cancionero "ternario" (primera parte de la colonización) y el cancionero “binario” (segunda parte). El primero está compuesto por la anteriormente llamada "superposición" de ritmos ternarios y binarios y dio origen a ritmos aún vigentes en los países latinoamericanos como el son huasteco o el son jarocho en Mexico, el bambuco en Colombia, el joropo en Venezuela, la danzas argentinas como la chacarera, el gato o la zamba, por citar unos pocos ejemplos. El segundo, en cambio, el predominio del ritmo binario caracteriza ritmos como la habanera cubana, el son, el choro brasilero, danzas de inmigración del este europeo hacia el siglo XIX. La primera característica (y dificultad) que el visitante nota al interesarse en la música de raíz folklórica latinoamericana es la complejidad rítmica dada por la alternancia y superposición de metros de 3 y 2.

 

El programa de hoy ofrece un sintético, aunque bastante completo, panorama de cuanto hemos explicado anteriormente. Los valses venezolanos de Antonio Lauro, a pesar de llamarse simplemente vals, combinan permanentemente las métricas y pueden ser perfectamente acompañados con la técnica de rasgueado que combina con sus "chasquidos" (modo muy particular de la mano derecha del ejecutante de cordófonos de detener la vibración de las cuerda, a manera de "golpe") métricas binarios y ternarias, imitando en cierta forma la percusión típica con la cual se acompañarían esas piezas.

Las danzas argentinas, en este caso dos chacareras y dos zambas, están estilizadas o modernizadas, utilizando influencias de la música del siglo XX, pero conservan su aire del norte del país, área folklórica a la cual pertenecen. Siguiendo con nuestra línea, estas danzas son el paradigma de la superposición de 2 contra 3 constante. Son danzas con coreografía fija, de forma AA, y su ritmo es constante durante toda la pieza.

 

Los dos choros de Pixinguinha son ejemplos del cancionero binario, ritmo en 2 que se percibe inmediatamente al comenzar cada pieza. Como su nombre lo indica, se trata de lloros o bien músicas de carácter tristes y melancólicas.

 

Pertenecientes al llamado "folklore del sur" son, en cambio, las tres obras para guitarra solista del argentino bonaerense Abel Fleury. Por folklore del sur se entiende el folklore de la cuenca del río de la Plata (Buenos Aires y Uruguay principalmente). Estas tres piezas, Estilo, Cifra y Milonga, aparte de su belleza musical particular, forman parte de los tres géneros utilizados en la "payada", competencia literario-musical difundida entre los gauchos de la pampa.

 

Concluyen el programa tres tangos argentinos escritos en el período conocido como "la guardia vieja", período anterior a la muerte (1935) del célebre cantante Carlos Gardel. Del mismo modo como los florentinos han llamado seconda pratica al nuevo estilo musical del principio del siglo XVII en Italia, comparado con el estilo anterior, los argentinos han llamado "guardia vieja" a un estilo de tango muy particular, diferente del tango posterior, con un grupo instrumental conformado por un violín, una flauta traversa y dos guitarras, o bien con tres guitarras como se hacía acompañar el mismo Carlos Gardel, según la opinión de los argentinos y uruguayos: "¡El que cada día canta mejor!".

 

 

Curriculum Intérprete


 

Juan Carlos de Mulder, guitarra barroca. Nace en Lima y estudia en los conservatorios de Madrid, La Haya y Toulouse. Ha trabajado como continuo en producciones de ópera barroca y oratorio bajo la dirección de Ph. Herrewege, J. C. Malgoire, Nigel Rogers, Jordi Savall y Eduardo López Banzo entre otros. En el campo de la música de cámara ha colaborado con Albicastro Ensemble, Hespèrion XX, La Romanesca, Orphenica Lyra y actualmente colabora con grupos como La Folía, Al Ayre Español, Accademia del Piacere, Speculum, Los Músicos del Buen Retiro, Trulla de voces, Capella de Ministrers, Ministriles de Marsias, Accentus-Viena, etc. Desarrolla una intensa carrera concertistica que le ha llevado a las salas más prestigiosas de Europa, América y Asia. Ha realizado más de 60 grabaciones de música antigua desde el medievo al preclasicismo. Ha compuesto música para la Compañía Nacional de Teatro Clásico (Misántropo-Moliere, La vida es sueño-Calderón y Una noche con los Clásicos-Marsillach) y recitales de poesía y música con Carlos Hipólito, Arturo Querejeta, M. Jesús Valdés, Adolfo Marsillach, Amparo Rivelles y Denis Rafter y últimamente como músico de guitarra barroca en La vida es sueño (2012-2013) con la CNTC dirigida por Elena Pimenta. Actualmente compagina su trabajo en diversos grupos de cámara con la dirección del grupo Camerata Iberia, con el que ha grabado: Songs and Dances from the Spanish Renaissance (MA recordings), Música en torno al teatro de Calderón (Jubal), Barroco del Perú (Alma records), La Spagna (Verso) y Flores de Música del siglo XVII. Como solista de vihuela ha grabado El Maestro-Luys Milán (RTVE), Fantasías y diferencias (Fonti musicali) y Diego Pisador (Verso). Ha dado clases en las universidades de Salamanca, México D.F. y en el Hong Kong School of Arts. Asimismo, ha sido profesor de instrumentos antiguos de cuerda pulsada en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid del 2004 al 2008. En la actualidad es profesor invitado en la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca, curso de Música Antigua de de Castilla y León y Curso-Festival de Música Antigua de Daroca.

 

Margherita Pupulin y Eduardo Egüez, violín y guitarra. Margherita Pupulin nace en Varese (Italia) el 11 de febrero 1993. Comienza el estudio del violín a los cuatro años con el método Suzuki bajo la guia de Anna Modesti. A los nueve años se acerca con curiosidad a la música barroca y continúa sus estudios con Riccardo Minasi, gran virtuoso violinista italiano. A los once años viaja a Cuba por un proyecto de intercambio cultural-musical con niños del Conservatorio de La Habana, con los que fundará (asistida por su madre, la violoncellista Sabina Colonna-Preti) el proyecto de orquestas internacionales Pequeñas Huellas. A los trece años, Margherita continúa sus estudios en el Conservatorio de Torino, Italia, bajo la dirección de los maestros Lee Roberts, Sergio Lamberto y Olivia Centurioni. En 2008 debuta como directora de orquesta dirigiendo la Orquesta Pequeñas Huellas en el Auditorium Rai de la ciudad de Torino. En mayo 2010 es invitada por el gobierno argentino a dirigir una orquesta de 700 jóvenes provenientes de toda la América Latina en el Festival Iguazú en Concierto en la provincia de Misiones, Argentina. En el mismo año empieza su colaboración con el Ensemble La Chimera, participando en los programas Buenos Aires Madrigal, Odisea Negra, Tonos y Tonadas, Diario del Conde de Villamediana y Misa de Indios. Colabora en ocasiones con ensambles italianos de música barroca, como Gli Invaghiti y Le Viole Sabaude.

Eduardo Egüez ha realizado sus estudios de guitarra en Buenos Aires con Miguel Angel Girollet y Eduardo Fernández. Estudió composición en la Universidad Católica Argentina y en 1995 obtuvo el diploma de laúd en la Schola Cantorum Basiliensis bajo la guía del maestro Hopkinson Smith. Brindó numerosos conciertos como solista en numerosas ciudades de Sudamérica, Europa, Australia, Turquía y Japón, con excelentes comentarios de la crítica especializada y gran receptividad por parte del público. Ha sido premiado en numerosos concursos internacionales desde 1984 y desde 1992 ha desempeñado una constante actividad como continuista formando parte de los grupos Elyma (Gabriel Garrido), Hespèrion XXI (Jordi Savall), Orchestra Mozart (Claudio Abbado), Ensemble Baroque de Limoges (Christophe Coin), La Grande Ecurie et la Chambre du Roi (Jean-Claude Malgoire), Aurora (Enrico Gatti), Concerto Italiano (Rinaldo Alessandrini), Les Talents Lyriques (Cristophe Rousset), Labyrinto (Paolo Pandolfo), Armonico Tributo Austria (Lorenz Dufschmidt), The Rare Fruits Council (Manfred Kraemer) y acompañando a artistas como Emma Kirkby, Maria Cristina Kiehr, Rolf Lislevand, Victor Torres, Furio Zanasi, entre otros, con los que ha grabado para diferentes casas discográficas. Como solista ha grabado para el sello italiano E Lucevan le Stelle el disco Tombeau, dedicado a obras de Silvius Leopold Weiss. Para el sello americano ma recordings ha grabado la obra completa de Johann Sebastian Bach; Le Maître du Roy, un disco enteramente dedicado a Robert de Visée y L’Infidèle, trabajo consagrado al laudista alemán Silvius Leopold Weiss. Desde el año 2005 dirige el Ensemble La Chimera, conjunto dedicado a la fusión de distintas formas de arte como la música, la danza, la literatura, la proyección de imágenes, dedicando una especial atención al diálogo entre la música antigua y la moderna (véase currículum de La Chimera en el concierto del sábado 7 a las 13.00). En la actualidad se desempeña como profesor de laúd en el Conservatorio de Zürich (Suiza).

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