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Edición 2003

Concierto


El esplendor de la orquesta barroca. Conciertos, batallas y suites.

Lugar


Auditorio del Hospital de Santiago (ÚBEDA)

Fecha


Viernes, 28 de noviembre de 2003, 20.30 horas

Director


JORDI SAVALL

Intérprete


ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA

Componentes


Pablo Valetti, concertino

Valentin Sánchez, violín
Carles Fibla, violín
Antonio Almela, violín
Alba Roca, violín
Jose Manuel Villarreal, violín
Encarnación Almansa, violín
Elena Borderias, violín

Kepa Artetxe, viola
Andoni Mercero, viola

Mercedes Ruiz Mercedes. violonchelo
Elisa Joglar, violonchelo

Xisco Aguiló, bajo
Ventura Rico, bajo

Eduard Martinez, clave

Guillermo Peñalver, flauta
Fernanda Teixeira, flauta

Programa


PARTE I

Jean Baptiste Lully (1632 - 1687)
Suite "LE BOURGEOIS GENTILHOMME"
Marche pour la Cérémonie des Turcs / Canarie
1r Air des Espagnols / 2n Air des Espagnols
L'entrée des Scaramouches

Joan Cabanilles (1644 - 1712)
Suite Imperial
Overtura-Corrente Italiana / Fantasia / Batalla Imperial

Antonio Rodriguez de Hita (1725 -1787)
Música Sinfónica para los Ministriles. 1751
Despacio cantable / Andante / Pastoral / Allegro

PARTE II

Charles Avison (1709 -1770)
Concerto IX in Seven Parts
Done from the Harpsicord Lessons by DOMENICO SCARLATTI
Largo / Con Spirito / Siciliana / Allegro

Josep Plà (Circa 1730 - 1780)
Concerto in D
Allegro / Largo / Allegro

Luigi Boccherini (1743 - 1805)
La Musica notturna di Madrid 1780
Le campane di l'ave Maria / Il tamburo dei Soldati /
Minuetto dei Ciechi "con mala grazia"
Il Rosario Largo Assai / Allegro / Largo come prima
Passa calle Allegro vivo / Il tamburo
Ritirata Maestoso

Notas programa


Por Pablo J. Vayón

El surgimiento de la ópera en Italia a comienzos del siglo XVII trajo consigo, entre otras muchas transformaciones en el ámbito musical, una consolidación de los conjuntos instrumentales, forzada por la cada vez mayor especificidad de instrumentación requerida por los compositores y la progresiva necesidad de un reforzamiento de la sección de cuerdas, como forma de obtener un equilibrio óptimo con los vientos y la percusión. Empezaba a romperse así la tendencia general, predominante hasta entonces, de las agrupaciones instrumentales por familias y su reunión ocasional, dependiendo de las disponibilidades de los intérpretes.

Coincidiendo con la eclosión de la ópera italiana, aparecen las orquestas de corte en Inglaterra y Francia. En principio, estos conjuntos estuvieron formados exclusivamente por instrumentos de cuerdas, aunque fuese habitual que en las obras escénicas se reforzasen con vientos. Uno de esos primeros grupos fueron los Ving-quatre violons du roi, que animaron durante siglo y medio los tiempos de ocio y las recepciones oficiales de Luis XIII, Luis XIV y Luis XV de Francia y alcanzaron fama internacional bajo la dirección de Jean-Baptiste Lully (1632-1687). Lully había nacido en Florencia, pero llegó a París con sólo trece años y, gracias a su notable talento para la música y la danza, su garbosa compostura, su ambición y su oportunismo sin escrúpulos, en muy poco tiempo alcanzó puestos de responsabilidad en la corte del Rey Sol, convirtiéndose durante cerca de treinta años en el verdadero factótum de la vida musical vinculada a la monarquía francesa, para la que desarrolló un estilo que se quería específicamente francés, por oposición al tradicional estilo italiano, que paradójicamente defendía el parisino Marc-Antoine Charpentier.

En 1662 Lully conoció a Molière, iniciándose entre ambos una colaboración de casi una década, en la que producirían un buen número de comédies-ballets, obras de ambiente pastoril en las que se fundían teatro, música y danza y que fueron el más directo antecedente de la tragédie lirique, la ópera nacional francesa. Sin duda, la más célebre y exitosa comédie-ballet para la que Molière y Lully unieron sus talentos fue Le burgeois gentilhomme, que se estrenó en el Palacio de Chambord el 14 de octubre de 1670. Nacida seguramente a partir de una escena turca, muy de moda en aquella época, que acabaría conformando el 4º y último Intermedio de la obra, la suite que se nos ofrece hoy nos introduce también en dos de sus momentos más célebres, las arias de los españoles, que formaban parte del Ballet de las naciones, conjunto de danzas, canciones y ritornelos instrumentales que antecedía al primer acto.

Contemporáneo (y tocayo) de Lully, Joan Baptista Cabanilles (1644-1712) fue el gran maestro del órgano español de la segunda mitad del siglo XVII. Nacido en Algemesí, Cabanilles pasó toda su carrera como organista de la Catedral de Valencia, para la que compuso una gran cantidad de tientos, fantasías, pasacalles y otras piezas, en las que siempre concedió gran importancia al contrapunto imitativo, que desarrolló de forma imaginativa y audaz. Sin duda, su obra más famosa es la Batalla imperial, pieza que pertenece a un género de larga prosapia, el de las batallas, que pretendía ofrecer la descripción sonora de un combate entre dos ejércitos, trasunto religioso, a menudo, de la lucha entre el bien y el mal, y que era especialmente adecuado a los órganos ibéricos, que poseían registros partidos, ecos y brillantes trompeterías horizontales. Con las versiones orquestales de tres obras de Cabanilles en forma de suite, el programa de esta noche nos acerca a una práctica habitual desde antiguo y frecuentemente asumida por las primitivas orquestas, la de la transcripción.

Un ejemplo destacado de transcripciones de época son las que el avispado organista y compositor británico Charles Avison (1709-1770) publicó en 1744, en forma de doce Concerti grossi, a partir de las sonatas para clave de Domenico Scarlatti (1685-1757), a la sazón compositor de la corte española de Fernando VI y María Bárbara de Braganza. La extraordinaria fama alcanzada por los ejercicios para teclado de Scarlatti, la mayor parte de los cuales fueron escritos durante su larga estancia española, aseguraban a Avison el éxito editorial entre la gran cantidad de conjuntos instrumentales de aficionados que pululaban por entonces por las islas británicas. En función de sus perspectivas comerciales, Avison buscó las soluciones más simples, procurando que las transcripciones fueran accesibles para grupos de tamaño variable y reproduciendo de forma casi literal las notas del original, aunque también se vio obligado a introducir algunos arreglos, fundamentalmente en la línea del bajo. El Concierto IX en Do mayor se divide en cuatro tiempos, cuya inspiración scarlattiana ha sido identificada en los movimientos primero (Sonata Kirkpatrick 81b), segundo (K 31) y cuarto (K 7). La Siciliana del tercer tiempo no ha sido identificada aún como obra de Scarlatti, pudiendo tratarse de una sonata perdida o bien haber sido escrita originalmente por el propio Avison.

Coincidiendo con la presencia de Scarlatti en España, la zarzuela, género escénico típicamente hispánico que había nacido en el siglo XVII, alcanzaría un gran desarrollo de la mano de músicos como Antonio Rodríguez de Hita (1725-1787), compositor madrileño en quien se operaría de forma especialmente significativa el paso del estilo barroco al clásico, con el abandono progresivo del bajo continuo y la adopción de soluciones típicas de la escuela de Mannheim. Entre 1744 y 1765, Rodríguez de Hita ocupó el puesto de maestro de capilla de la Catedral de Palencia, donde dejó la que es hoy principal muestra de la práctica instrumental en las catedrales españolas, el Libro para las chirimías, publicado en 1751, que recogía una serie de piezas, escritas a tres, cuatro y cinco voces, para ser tocadas por los conjuntos de ministriles en las procesiones e intermedios de las funciones religiosas. Las actas capitulares de la Catedral palentina informan con detalle de los momentos en que los ministriles debían de tocar estas canciones para realzar la solemnidad de los actos. Los cuatro ejemplos que escucharemos hoy suponen pues el rescate de una práctica instrumental que dio lustre durante siglos a la liturgia hispánica.

La llegada del estilo clásico a España puede documentarse también en la obra de los hermanos Pla, de los cuales Joan y Josep (c.1730-1780) fueron célebres como oboístas y flautistas en toda Europa, especialmente en Londres, donde publicaron muchas obras conjuntamente, mientras que Manuel desarrollaba otras tareas musicales en Madrid. El Concierto para dos flautas (o dos oboes) en Re Mayor de Josep respeta los tres tiempos tradicionales del concierto con solista, según el modelo vivaldiano, y se mueve dentro de las coordenadas del estilo galante, de texturas ligeras, armonías sencillas y predominio de la melodía profusamente ornamentada.

Como Scarlatti, Luigi Boccherini (1743-1805) también recorrió el camino que llevaba de Italia a Madrid. Este extraordinario violonchelista nacido en Lucca se convirtió en 1769 en compositor de la capilla del infante don Luis Antonio de Borbón, hermano de Carlos III, a quien serviría hasta su muerte en 1785. Aunque compuso una zarzuela (La Clementina), un Stabat Mater y varios oratorios, Boccherini destacó como autor de música instrumental, fundamentalmente camerística, género para el que escribió más de trescientas obras. De ellas, han alcanzado gran consideración los quintetos, en los que el músico concedió protagonismo especial a la voz de su violonchelo. De 1780 datan los seis Quintetos Op.30, el último de los cuales se ha hecho célebre con el título de Música nocturna de las calles de Madrid, un recorrido por el ambiente de la capital, desde los cantos sagrados del rosario a las danzas populares, los rasgados de la guitarra, los tambores militares y el toque de retreta final. Por su colorido descriptivo, esta obra es interpretada con frecuencia por las formaciones orquestales más diversas, habiendo alcanzado en nuestro tiempo notable éxito el arreglo que Luciano Berio hizo de él en 1975. En el programa de esta noche, la transcripción, bien diferente, nos acerca a las sonoridades que pudieron alcanzar las orquestas españolas a finales del siglo XVIII, cuando la transición del Barroco al Clasicismo parecía definitivamente completada.

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